Rafael López Ramos
Publicado el 07-28-2012
5 preguntas a Rafael López Ramos
Por Luis de la Paz
Diario Las Américas
Hombre de hablar pausado, con una sólida visión sobre el arte y con un abarcador proyecto personal, Rafael López Ramos (Cabaiguán, 1962), es uno de los artistas plásticos cubanos más interesantes de la llamada “generación del 80”, donde personalmente se ubica. Graduado de San Alejandro, ha resido en Venezuela y Canadá, donde escribió la novela Paranoia con pachanga (2001). Establecido en Miami, mantiene una activa vida creativa, con exposiciones frecuentes.
1.–En estos momentos tienes una muestra personal en Nueva York. Son piezas fuertes, provocadoras e irreverentes. Háblanos de la esencia de esta exhibición.
—La exposición estará hasta el 1ro. de septiembre en 17 Frost Art Space, reúne una selección de piezas de la serie Wonderland que dialoga con aspectos de la realidad social en que vivo hoy, algo que no hacía de modo tan consciente desde finales de los años 80 y mediados de los 90 en Cuba, cuando mi obra reflexionó con fuerza sobre la situación socio-política de la Isla. Este regreso al discurso crítico de los 80, caracterizado por su ironía, responde a eventos recientes como la caída de la industria financiera y sus secuelas en la macro economía de los Estados Unidos y Europa. Wonderland teje una compleja metáfora a partir de la sexualidad, la imagen de la mujer y su recurrencia y abuso en la publicidad comercial, y emplea la pornografía, comúnmente considerada obscena, para provocar una reflexión en torno a la obscenidad cotidiana y visible en los contextos político y económico de las sociedades desarrolladas, dirigidas por élites cada vez más irrespetuosas de la ética y la responsabilidad que supone tal posición de liderazgo. La crisis económica vista como la punta del iceberg que oculta males mayores, no tan evidentes. Esto plasmado en pinturas sobre lienzo, más un grupo de banners sobre vinilo para empapelar paredes con su típico estampado, que sirve de soporte a The Wonder Banners Suite, en estas contrapongo la función anunciadora del banner con la intención reflexiva del arte. Finalmente en The POLIsexyGONS suite recurro a la forma geométrica del polígono, ya explorado por Frank Stella en su forma abstracta pura, pero lo uso como soporte rígido de madera sobre el cual dispongo objetos y collages que conversan irónicamente con elementos de la abstracción geométrica o del expresionismo abstracto. En este momento desarrollo otra nueva suite en la que experimento con imágenes digitales impresas, especie de collage digital que aglomera elementos en múltiples superposiciones, creando densas capas de sentido similares a un palimpsesto.
2.–Las piezas de Wonderland son significativamente diferentes a las que no hace mucho exhibiste en Miami como Mirroring Nature, donde los autos y la ciudad eran el eje de los cuadros. ¿Qué te propones en cada serie en la que incursionas?
—Mirroring Nature fue un proyecto muy específico, que comencé al mudarme de Canadá a Miami en 2007, como respuesta a la dependencia del automóvil en la ciudad. Salió con ese aire realista porque me pareció el mejor modo de captar el espíritu de esta ciudad, la imagen me llegó caminando bajo el sol junto al parqueo de un supermercado. Respondiendo tu pregunta, no valoro el tener un “estilo propio” como una ventaja sino como una camisa de fuerza, porque es algo que generalmente le imponen al artista los galeristas y el mercado. Una de las grandes ventajas de ser artista independiente es la libertad para moverme de un proyecto a otro con las herramientas formales y conceptuales que cada uno requiera. Todo lo que un artista crea tiene su sello personal, y con los años se va haciendo más claro tu modo de hacer y concebir la obra.
3–Se habla de un arte “moderno”, del “arte conceptual”. ¿Qué opinas sobre las corrientes contemporáneas en la plástica?
—Creo que hay muy pocas nuevas tendencias que aporten algo realmente nuevo a la praxis artística, desde el Movimiento DADA, (que desplazó radicalmente la mirada vanguardista, del experimento meramente formal a un nuevo concepto de obra y artista) todo lo que hemos visto es puro reciclaje del mismo muñeco con diferente ropaje. Muchos apuestan a la moda para surfear la ola de lo que está bajo el spotlight de las casas de subasta y grandes galerías, pero sabemos que el gran arte no depende de las modas sino del talento y la perseverancia del artista que tiene la mirada puesta en lo suyo con fijeza obsesiva, más que en las novedades del mundo del arte.
4–Los performance y ciertas instalaciones (cada vez se realizan más) caen en el marco del arte efímero. ¿Cómo se logra la trascendencia con estos procedimientos; no hay cierta contradicción cuando uno de los objetivos de la creación es la permanencia?
—El arte efímero lo es sólo entre comillas, siempre el artista se encarga de documentarlo en fotografía, filme o video. Hoy podemos ver en Youtube las Anthropométries de Yves Klein, precursoras del performance contemporáneo en 1960 o clásicos que han marcado a muchísimos artistas, como I Like America And America Likes Me de Joseph Beuys. Creo que el verdadero carácter efímero de una obra no está determinado por su no fisicidad sino por el peso específico de su aporte al crecimiento del espíritu humano cosa que no logran necesariamente todas las pinturas y esculturas de la historia.
5.–Eres, además de artista, curador y crítico. ¿Crees que hay verdaderamente una corriente moderna que tenga solidez como para dejar una huella permanente en la historia del arte?
—Cada vez asumo con más distancia esas categorías, que dejo en mi curriculum como mera presentación formal. Prefiero verme dentro de mi campo como un artista total, aproximarme al acto creativo holísticamente, resultado de una práctica artística de treinta años y de una inclinación natural a prestar atención a los detalles. No creo que haya una corriente que así en bloque logre ese milagro de trascendencia, hay más bien ciertas figuras e incluso obras específicas que quizás lo logren. Pero me pregunto si esa obsesión nuestra por dejar huella en la memoria no sería menos importante que la capacidad de influir ya mismo en la vida de miles de personas, poner una gota de alegría en sus ojos o una idea inquietante en sus mentes, como están haciendo hoy muchos artistas del graffiti y el mural callejero, cuyo trabajo hace lucir a los museos como una especie de morgue estética.
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