MIAMI.- “Si el mundo fuera obvio, el arte no existiría”, dijo el filósofo Albert Camus, seguro de que “el arte nos ayuda a penetrar en la opacidad del mundo”. Con esta premisa, y la voluntad de difundir la apreciación artística en la sociedad, la organización sin ánimo de lucro Oolite Arts inauguró el 8 de junio dos muestras visuales que podrán disfrutarse de forma gratuita.

Se trata de las exposiciones Lean-To y At The Edge, que hasta el 11 de septiembre llenarán a Miami Beach de colorido e imaginación gracias a las miradas de 21 artistas. Las exhibiciones serán en los espacios 924 y 928 de Lincoln Road.

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Entre los especialistas que han velado por la organización de las muestras se encuentran Leilani Lynch, Amanda Bradley y Dennis Scholl. Este último es presidente y director general de Oolite Arts. De hecho, Scholl está supervisando por estas fechas una expansión de la programación y la construcción de un nuevo campus en la ciudad de Miami, que planean inaugurar en 2024. Lean-To es la exposición anual de artistas residentes de Oolite, y suma obras de 15 artistas radicados en Miami. La propuesta se inspira en la estructura de un cobertizo o un tejado protector que en ocasiones suele nacer de la improvisación y la necesidad.

Como se lee en el comunicado, la exhibición “reimagina los sistemas de apoyo, que van desde lo espiritual hasta lo ambiental y económico, así como la preservación y el cuidado. Utilizando diversos medios y puntos de entrada personales, muchas obras examinan cómo se manifiestan estas estructuras a través del tiempo y el espacio. A lo largo de la exposición, los artistas reflexionan sobre acontecimientos actuales y temas tangibles, como la migración y la justicia”.

Leilani Lynch, curadora de la muestra y que también forma parte del Bass Museum of Art, se encargó de armar el concepto de la exposición durante sus interacciones con los artistas mientras estos trabajaban en sus estudios. Según señaló, Lean-To “tiene un doble significado", pues “es una estructura temporal, o un refugio improvisado, y también se inclina simbólicamente hacia algo en el futuro”.

Asimismo, constató que “muchos de los artistas también están pensando en el cuidado de alguna manera, ya sea en los rituales que realizan para el autocuidado o en su cuidado de la comunidad y el medio ambiente”.

Jen Clay, Yanira Collado, Rose Marie Cromwell, Carolina Cueva, los co-residentes Rev. Houston R. Cypress & Jean Sarmiento, Mark Fleuridor, Friday, Felice Grodin, T Eliott Mansa, Reginald O'Neal, Edison Peñafiel, Ema Ri, Greko Sklavounos y Roscoè B. Thické III son los artistas residentes que muestran sus trabajos en Lean-To, cubriendo un abanico diverso de formatos y estilos.

Vale destacar que algunos de los artistas realizaron obras exclusivamente para esta muestra. Por ejemplo, Reginald O'Neal se inspiró en la celda de prisión donde estuvo su padre para crear su pieza. Además, presenta un jardín que a medida que avanza la exposición irá muriendo delante de los ojos de los asistentes. Por su parte, Ema Ri propone una instalación de naturaleza muerta que busca activar los sentidos del público.

Yanira Collado ha transformado parte de una instalación que hizo en la Galería Emerson Dorsch, convirtiendo secciones de pared en una escultura independiente que invita a reflexionar sobre la historia y la memoria que pueden albergar los materiales y la arquitectura.

Como explicó Collado a DIARIO LAS AMÉRICAS, su proceso creativo parte de distintos componentes: “elementos como las narrativas ancestrales, los valores culturales, los rituales, la espiritualidad y la materialidad”.

Su pieza en la exposición, Untitled/Penumbras de Ausencia, contiene diversos materiales como papel carbón, textil, pastel al óleo, papel, drywall, acero y madera, y representa un esfuerzo “por conservar/proteger estas tradiciones destacando las formas geométricas sagradas codificadas”.

Según agregó, “estos motivos de identidad están incrustados en el papel carbón y los textiles. Aluden a su esencia y sirven de punto de acceso a un espacio meditativo abstracto. La estructura arquitectónica que engloba el textil azul y el papel carbón es un depósito simbólico. Alberga estos valores culturales”.

“Mi experiencia al procesar esta obra fue un continuo inventario interno de ensamblaje y posterior re-ensamblaje de materiales que funcionaban como artefactos, reconciliando historias”, puntualizó.

La exposición At The Edge reúne trabajos de Nathalie Alfonso, Georgia Lambrou, Devora Pérez, Jennifer Printz, Karen Rifas y Donna Ruff, quienes basan su creación en lo interdisciplinario, la abstracción y el expresionismo, con la libertad de asumir espacios tridimensionales.

Con curaduría de Amanda Bradley, directora de programación de Oolite, y Dennis Scholl, presidente y director general de dicha entidad, esta muestra femenina plantea como pauta de investigación un desafío a los límites, sean del material, el proceso o el entorno. Según anotó Bradley, “un componente clave de esta exposición es que la abstracción puede proporcionar el espacio para evocar las mismas emociones profundas que las obras de arte más naturalistas”.

Una de las seis artistas de la muestra, Nathalie Alfonso, describió a DIARIO LAS AMÉRICAS que el eje central en su investigación artística es “el trabajo invisible”, que calificó como “un ejercicio de control emocional”. Es así que las nociones de lo invisible y lo visible se convierten en los materiales a partir de los cuales desarrolla sus dibujos, instalaciones, performances y videos.

Su pieza de gran formato Anatomy (2022) “es un dibujo en grafito y carboncillo sobre la pared, que recrea la ilusión de estar viendo directamente la estructura en madera del interior del muro. Es un holograma de la estructura, una invención desarrollada ante la imposibilidad de saber exactamente la posición de la madera detrás de la lámina de yeso que conforma el muro”.

“La obra es una radiografía de los huesos (estructura de madera) que conforman la pared, pero es una radiografía inventada, ya que no es posible saber exactamente cómo está distribuida esta estructura, y tampoco es posible saber quién o quiénes la construyeron”, añadió.

El dibujo, sumó, “está hecho con una técnica que reitera la obsesión en restregar un material que da sensación de suciedad como lo es el carboncillo y el grafito, material que es difícil de mantener limpio”. Además, es una forma de destacar “el trabajo manual físico invisible que realizan miles de personas a diario, en construcción de edificios o limpieza de casas, entre otros”.

Más sobre Oolite Arts

Oolite Arts ayuda a los artistas de Miami a avanzar en sus carreras e inspira a la comunidad cultural a comprometerse con su trabajo. Fundada en 1984, Oolite Arts es tanto una comunidad como un recurso, que proporciona a los artistas visuales el espacio de estudio, las oportunidades de exposición y el apoyo financiero que necesitan para experimentar, crecer y enriquecer la ciudad. A través de su programación educativa, Oolite Arts ayuda a los miamenses a conocer el arte contemporáneo y a desarrollar sus propias habilidades artísticas.

Las exposiciones y los programas de Oolite Arts son posibles gracias al apoyo del Departamento de Asuntos Culturales del condado de Miami-Dade y el Consejo de Asuntos Culturales; el alcalde del condado de Miami-Dade y la Junta de Comisionados del condado; el alcalde de Miami Beach y los comisionados de la ciudad; el estado de Florida, el Departamento de Estado, la División de Arte y Cultura y el Consejo de Arte y Cultura de Florida; el Fondo Nacional para las Artes; la Fundación de la Familia Jorge M. Pérez en la Fundación Miami, la Fundación de la Familia Lynn y Louis Wolfson II y la Fundación John S. y James L. Knight.

Ambas exposiciones estarán abiertas de manera gratuita todos los días de 12 p.m. a 5 p.m. hasta el domingo 11 de septiembre, en el 924 y 928 de Lincoln Road, en Miami Beach.

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